Visión musical

El año pasado fui invitado a cubrir Latinoamérica de Sonamo en Copenhague, un festival que tiene como objetivo difundir la conciencia de la música latinoamericana. Tengo de allí muchas impresiones más ricas y después de experimentar un programa de música muy polifacético. Ninguno de los seis artistas eran iguales  ( Ver Aquí ).

Este año, entonces, el éxito tuvo que repetirse. Latinoamérica 2020 de Sonamo abarcó nueve días, incluyendo representaciones de palabras habladas en la Iglesia de la Primavera y proyecciones de películas en Cinemateket, ambas con toques musicales, pero los eventos de conciertos reales se concentraron en tres días, los días 17, 18 y 19 de septiembre, con cada dos nombres en el programa.

El jueves fue el Museo de La Música en Frederiksberg que albergó, y aquí primero vino Kai Stensgaard y luego Edith Tamayo & Tania Naranjo. El viernes, la Unión de Sedes en Nirrebro podría ofrecer primero Alex Méndez & Sofia Kayaya y luego Forró de Bicicleta. Y el sábado se continuó en Krudtt-nden en el esterbro, donde primero se pudo escuchar Novo Cais Trio y luego Khala Uma.

Estuve con el jueves y el sábado, y puedo informarles con gran placer que esta vez no escuché dos conciertos que eran similares , y nada como los conciertos del año pasado tampoco.

Marimba

toca la marimba, un instrumento que tiene sus orígenes en Africa, pero que también ha gozado de una amplia popularidad en América Latina y, por ejemplo, en Guatemala es el instrumento nacional oficial. Kai Stensgaard ha viajado mucho por países latinoamericanos y entre otras cosas, ha dado conciertos en Argentina, México y Chile.

Marimbaen actúa en muchas formas de música – música folk y mundial, jazz y música de composición clásica – y el conjunto de Kai Stensgaard, que duró poco menos de una hora, también fue difícil de hacer. Pero su juego de marimba era fascinante y trajo muchos un suspiro de alivio de mi compañero.

Kai Stensgaard tocó la mayor parte del solo de concierto, pero en cuatro pistas recibió cuatro números de asistencia del percusionista argentino-copenhague Fernando Massimo, quien también es uno de los organizadores latinoamérica de Sonamo en la asociación CKulturA. Los dos no habían jugado juntos anteriormente, pero claramente no tenían problemas para encontrar un terreno común, lo que era bastante impresionante, ya que había algunos cambios de ritmo bastante marcados.

Impresionante

Fernando Massimo acompañó a Kai Stensgaard con un ritmo insistente en su cajón en la canción de apertura «Danza española» antes de que Stensgaard demostrara por primera vez su impresionante técnica con seis clubes.

Al mismo tiempo, Kai Stensgaard condimentó la música con vagabundos de pies (por ejemplo, en «Tango en skao»), y en varias pistas incluso tocó con campanas de ghungroo en un tobillo, o ambos, como fue el caso de «Salsa mexicana».

Fernando Massimo también fue escuchado en bombo legero, un tambor argentino con pieles de animales. El instrumento más exótico, sin embargo, fue sin duda el alufón, un instrumento que Kai Stensgaard inventó con el ingeniero Michael Hansen. Este instrumento de percusión de varios metros de largo consta de filas de campanas de aluminio montadas en un trípode y fue conducido en la composición «Twin piece».

Kai Stensgaard tocó tanto la marimba como el alufón, y estos fueron los sonidos más sorprendentes, misteriosos y evocadores que podía producir en los instrumentos.

«Las manos de mi madre»

El segundo nombre de concierto del tordagen fue el dúo Edith Tamayo & Tania Naranjo. La cantante Edith Tamayo proviene del estado de Sinaloa, en el noroeste de México. Es educada en canto clásico en la Ciudad de México y Helsingborg y ahora vive en Copenhague, desde donde interpreta diversas formas de música folk latinoamericana con, entre otros, Trío Domison y Mariachi Band México Lindo.

Tania Naranjo es una pianista y cantante de conciertos clásicos e interpreta música clásica de piano, así como música jazz y folk de su Chile natal. Ahora es residente de Suecia.

Con ella en el Museo de la Música, Edith Tamayo & Tania Naranjo tuvo a los dos músicos cubano-daneses Yasser Pino (contrabajo y coro) y Yohan Ramon (percusión y coro).

Como novia de Edith Tamayo, debo declararme inmediatamente martillando inhabil como crítica, pero puedo presentar brevemente el concepto del dúo:

«Las manos de mi madre» es un homenaje a las mujeres latinoamericanas que a lo largo de la historia han cantado sus canciones de protesta contra la tiranía de los dictadores, pero también han ofrecido esperanza a su pueblo a través de canciones sobre el amor y la fraternidad.

El set de Edith Tamayo & Tania Naranjo contó con las canciones propias de los dos artistas y arreglos de canciones de compositoras de varias partes del mundo latinoamericano, y más.

Bossanova

El sábado por la noche en The Powder Ked con el conjunto bossanova Novo Cais Trio. El trío está formado por Martin Buono en la guitarra, Daniel Bonifacio en la canción y Alessandro Garau en la trompeta y la guitarra.

Martin Buono creció en Lolland y es un guitarrista clásico formado en un conservatorio. Ha estudiado flamenco en España y también toca con otros conjuntos, entre ellos Choro Vivo, que tocó en el Sonamos Latinoamérica del año pasado.

Daniel Bonifacio encontró la música durante la infancia en Brasil, donde tocaba el piano. Más tarde fue grabado cantando y grabado en el Conservatorio de Música Calouste Gulbenkian en Aveiro, Portugal. Hoy vive en Copenhague.

Alessandro Garau nació en Italia y ha estado tocando la guitarra y la trompeta desde la infancia. Ha tomado cursos con Jeremy Pelt y Avishai Cohen y actualmente está estudiando en Paolo Russo y Gerard Presencer.

Así que fue un conjunto multinacional que tomó la escena íntima de Krudtt-nden, pero la expresión elegida fue bossanova brasileña con algunos desvíos a la samba. Esto significó música y letras de los grandes nombres del género como Antonio Carlos Jobim, Vinícius de Moraes y Caetano Veloso.

Agradable

Novo Cais Trio tuvo una buena comprensión de las convenciones del género con una interpretación vocal cómoda y confiada de Bonifacio y esfuerzos instrumentales sutiles pero finos de Garau y Buono. El bossanova tiene una naturaleza ligera y aireado, y Martin Buono tocar la guitarra era insistente y omnipresente, pero completamente desprovisto de agresividad.

Mi único atractivo no fue, por tanto, no a la actuación de Novo Cais Trio, sino más bien a la bossanova como género: hay una monotonía en su expresión que te hace sentir que escuchas la misma canción una hora seguida. Las canciones ciertamente también pueden contener tristeza y protesta, pero especialmente si, como yo, uno no entiende portugués, podría ser difícil ahondar bajo la superficie de sol suave que caracterizó todos los números.

Fue sólo cuando teníamos cuatro canciones dentro del concierto de siete pistas que la voz de Daniel Boniciako – y por lo tanto el estado de ánimo de la música – se elevó sobre lo agradable. «Eu sei que vou te amar» de Jobim y Moraes fue, por tanto, el mejor número del concierto.

Eso no quiere decir que hubiera algo que exponer musicalmente en el resto del repertorio, donde también fue un placer escuchar la interpretación disciplinada y melancólica de Alessandro Garau. Sólo se perdió este concertero una pequeña variación en la expresión y el ritmo.

«Madre Tierra»

Khala Uma

Luego hubo un poco más de patada en el siguiente nombre, Khala Uma. Es cierto que me pongo nervioso cuando los adultos en serio comienzan a hablar de «Madre Tierra». Estamos en el siglo XXI, y no había razón para ocultar los mensajes de Khala Umas, por lo demás excelentes y esenciales, sobre los derechos de los pueblos indígenas y el medio ambiente antropomorfizando el planeta.

El proyecto musical de Khala Uma, sin embargo, fue hiréticamente comprensivo. La orquesta con sede en Skéne está formada por la sueca Gitte P’lsson (guitarra, charango y canto), el boliviano Cesar Salazar (flautas zampoña y quena, batería, canto y recitación), su hija común Tania Wayra (violín, batería y canto) y Allan Skrobe (mandola). Fueron complementados a lo largo del set por Fernando Massino en bombo legera y varias otras percusiones.

El punto de partida del grupo es la música popular de Bolivia, Perú y Ecuador, pero con un claro matiz nórdico y a veces un tono, que no se debe simplemente al hecho de que varios textos están escritos o traducidos al sueco. Esto le da a Khala Uma una identidad única y un concepto emocionante que juega en las líneas comunes entre las diferentes tradiciones musicales del mundo.

Se escuchó no menos importante en un hermoso popurrí de «Pachakamak», «Apacheta» y «Sápmi» (Sápmi es el nombre sami de la región de Sameland).

Esencial

Las voces principales fueron manejadas a su vez por Gitte P’lsson y Tania Wayra, y este último en particular demostró una voz hermosa y expresiva con un vibrato etéreo. La voz de César Salazar fue melodiosa y se utilizó principalmente para la recitación; tampoco le ayudó que estaba mezclado muy bajo.

Khala Uma realiza regularmente actuaciones musicales para niños, y la difusión de las canciones fue abiertamente de corazón. Aquí, sin embargo, usted estaba discapacitado si, como firmante, no era fuerte en Escane, español ni en las lenguas nativas americanas (como el quechua) que se cantaban, y podía sentirse un poco afuera.

Afortunadamente, hubo un gran beneficio en un programa de música variado y a menudo enérgico, y Khala Uma también se aseguró de involucrar al público en el camino, especialmente en canciones cueca bolivianas como la autocomución «Raices» y «Infierno verde». Aquí era necesario que el público aplaudiera el ritmo, y la mayoría de ellos estaban encendidos.

Al final, se terminó un poco con la comunicación de los niños en la canción comercial «Pachamama», pero en total, Khala Uma era un conocido muy comprensivo y musicalmente gratificante.

Versatilidad

Lo mismo puede decirse del evento Latinoamérica de Sonamo en su conjunto. Una gran parte de la razón de ser del festival es mostrar la versatilidad de la música latinoamericana y romper con prejuicios y dogmas estrechos sobre lo que es la música latina.

Los cuatro nombres de conciertos que presencié tenían tradiciones, expresiones, estados de ánimo y prácticas de interpretación muy diferentes. Eso en sí mismo fue razón suficiente para que una persona curiosa para la música para visitar el festival. Al mismo tiempo, conseguir actuaciones de músicos fuertes, buen entretenimiento y momentos desgarradores fue sólo una ventaja.